АНДЖЕЛИКО Фра Беато
ДЖОТТО ди Бондоне
МАНТЕНЬЯ Андреа
БЕЛЛИНИ Джовани
БОТТИЧЕЛЛИ Сандро
ВЕРОНЕЗЕ Паоло
да ВИНЧИ Леонардо
ДЖОРДОНЕ
КАРПАЧЧО Витторе
МИКЕЛАНДЖЕЛО БУОНАРРОТИ
РАФАЭЛЬ Санти
ТИЦИАН

Возрождение, или Ренессанс -
(фр. Renaissance, итал. Rinascimento) -
эпоха в истории культуры Европы,
пришедшая на смену культуре Средних веков и
предшествующая культуре нового времени.
Примерные хронологические рамки эпохи - XIV-XVI века.
Отличительная черта эпохи возрождения - светский характер культуры
и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь,
к человеку и его деятельности).
Появляется интерес к античной культуре,
происходит как бы её «возрождение» - так и появился термин.

С классической полнотой Возрождение реализовалось в Италии,
в ренессансной культуре которой различают периоды предвозрожденческих
явлений рубежа 13 и 14 вв. (Проторенессанс), Раннее Возрождение (15 в.),
Высокое Возрождение (конец 15 – 1-я четверть 16 вв.),
Позднее Возрождение (16 в.).
В эпоху Раннего Возрождения средоточием новаторства
во всех видах искусства стала флорентийская школа,
архитекторы (Ф. Брунеллески, Л.Б. Альберти, Б. Росселлино, и др.),
скульпторы (Л. Гиберти, Донателло, Якопо делла Кверча, А. Росселлино,
Дезидерио да Сеттиньяно и др.), живописцы (Мазаччо, Филиппо Липпи,
Андреа дель Кастаньо, Паоло Уччелло, Фра Анджелико,
Сандро Боттичелли и др.) которой создали пластически цельную,
обладающую внутренним единством концепцию мира,
распространившуюся постепенно по всей Италии
(творчество Пьеро делла Франческа в Урбино, Витторе Карпаччо,
Ф. Коссы в Ферраре, А. Мантеньи в Мантуе, Антонелло да Мессина
и братьев Джентиле и Джованни Беллини в Венеции).
В период Высокого Возрождения, когда борьба за гуманистические
ренессансные идеалы обрела напряженный и героический характер,
архитектура и изобразительное искусство были отмечены широтой
общественного звучания, синтетической обобщенностью и мощью образов,
полных духовной и физической активности.
В постройках Д. Браманте, Рафаэля, Антонио да Сангалло достигли
своего апогея совершенная гармония, монументальность и ясная соразмерность;
гуманистическая наполненность, смелый полет художественного воображения,
широта охвата действительности характерны для творчества крупнейших
мастеров изобразительного искусства этой эпохи – Леонардо да Винчи,
Рафаэля, Микеланджело, Джорджоне, Тициана.
С 2-й четверти 16 в., когда Италия вступила в пору политического кризиса
и разочарования в идеях гуманизма, творчество многих мастеров
приобрело сложный и драматический характер.
В архитектуре Позднего Возрождения (Микеланджело, Дж. да Виньола,
Джулио Романо, В. Перуцци) возрос интерес к пространственному развитию
композиции, подчинению здания широкому градостроительному замыслу;
в получивших богатую и сложную разработку общественных зданиях, храмах,
виллах, палаццо ясная тектоника Раннего Возрождения сменилась
напряженной конфликтностью тектонических сил (постройки Я. Сансовино,
Г. Алесси, М. Санмикели, А. Палладио).
Живопись и скульптура Позднего Возрождения обогатились
пониманием противоречивости мира, интересом к изображению
драматического массового действия, к пространственной динамике
(Паоло Веронезе, Я. Тинторетто, Я. Бассано);
небывалой глубины, сложности, внутреннего трагизма достигла
психологическая характеристика образов в поздних произведениях
Микеланджело и Тициана.

Венецианская школа

Венецианская школа, одна из основных живописных школ Италии
с центром в городе Венеция (отчасти также в небольших городах Террафермы-
областей материка, прилегающих к Венеции).
Для Венецианской школы характерны преобладание живописного начала,
особое внимание к проблемам колорита, стремление к воплощению
чувственной полноты и красочности бытия.
Наибольшего расцвета Венецианская школа достигла в эпоху
Раннего и Высокого Возрождения, в творчестве Антонелло да Мессина,
открывшего для современников выразительные возможности масляной живописи,
создателей идеально - гармонических образов Джованни Беллини и Джорджоне,
величайшего колориста Тициана, воплотившего в своих полотнах
присущие венецианской живописи жизнерадостность и красочное полнокровие.
В работах мастеров Венецианской школы 2-й половины 16 в.
виртуозность в передаче многоцветия мира, любовь к праздничным зрелищам
и многоликой толпе соседствуют с явным и скрытым драматизмом,
тревожным ощущением динамики и беспредельности мироздания
(живопись Паоло Веронезе и Я. Тинторетто).
В 17 в традиционный для Венецианской школы интерес к проблемам колорита
в работах Д.Фетти, Б. Строцци и др. сосуществует с приемами живописи барокко,
а также реалистическими тенденциями в духе караваджизма.
Для венецианской живописи 18 в. характерен расцвет
монументально-декоративной живописи (Дж. Б. Тьеполо),
бытового жанра (Дж. Б. Пьяццетта, П. Лонги),
документально - точного архитектурного пейзажа - ведуты
(Дж. А. Каналетто, Б. Белотто) и лирического,
тонко передающего поэтическую атмосферу повседневной жизни
Венеции городского пейзажа (Ф. Гварди).

Флорентийская школа

Флорентийская школа, одна из ведущих итальянских художественных школ
эпохи Возрождения с центром в городе Флоренция.
Формированию Флорентийской школы, окончательно сложившейся в 15 в.,
способствовал расцвет гуманистической мысли
(Ф. Петрарка, Дж. Боккаччо, Лико делла Мирандола и др.),
обратившейся к наследию античности.
Родоначальником Флорентийской школы в эпоху Проторенессанса стал Джотто,
придававший своим композициям пластическую убедительность и
жизненную достоверность.
В 15 в. основоположниками искусства Ренессанса во Флоренции
выступили архитектор Ф. Брунеллески, скульптор Донателло,
живописец Мазаччо, за которыми последовали архитектор Л.Б. Альберти,
скульпторы Л. Гиберти, Лука делла Роббиа, Дезидерио да Сеттиньяно,
Бенедетто да Майано и др.
В архитектуре Флорентийской школы в 15 в. был создан новый тип
ренессансного палаццо, начаты поиски идеального типа храмовой постройки,
отвечающей гуманистическим идеалам эпохи.
Для изобразительного искусства Флорентийской школы 15 в. характерны
увлечение проблемами перспективы, стремление к пластически ясному
построению человеческой фигуры
(произведения А. дель Верроккьо, П. Уччелло, А. дель Кастаньо и др.),
а для многих ее мастеров – особая одухотворенность и интимно-лирическая
созерцательность (живопись Б. Гоццоли, Сандро Боттичелли,
Фра Анджелико, Филиппо Липпи, Пьеро ди Козимо и др.).
Искания мастеров 15 в. завершили великие художники Возрождения
Леонардо да Винчи и Микеланджело, поднявшие художественные искания
Флорентийской школы на новый качественный уровень. В 1520-е гг.
начинается постепенный упадок школы, несмотря на то,
что во Флоренции продолжал работать ряд крупных художников
(живописцы Фра Бартоломмео и Андреа дель Сарто, скульптор А. Сансовино);
с 1530-х гг. Флорентийская школа становится одним из главных центров
искусства маньеризма (архитектор и живописец Дж. Вазари,
живописцы А. Бронзино, Я. Понтормо).
В 17 веке Флорентийская школа приходит в упадок.

Раннее Возрождение

Период так называемого «Раннего Возрождения» охватывает собой
в Италии время с 1420 по 1500 года.
В течение этих восьмидесяти лет искусство ещё не вполне отрешается
от преданий недавнего прошлого, но пробует примешивать к ним элементы,
заимствованные из классической древности.
Лишь впоследствии, и только мало-помалу, под влиянием все сильнее
и сильнее изменяющихся условий жизни и культуры,
художники совершенно бросают средневековые основы и смело пользуются
образцами античного искусства как в общей концепции своих произведений,
так и в их деталях.

Тогда как искусство в Италии уже решительно шло по пути подражания
классической древности, в других странах оно долго держалось
традиций готического стиля. К северу от Альп, а также в Испании,
Возрождение наступает только в конце XV столетия,
и его ранний период длится, приблизительно, до середины следующего столетия,
не производя, впрочем, ничего особенно замечательного.

Высокое Возрождение

Второй период Возрождения - время самого пышного развития его стиля -
принято называть «Высоким Возрождением»,
оно простирается в Италии приблизительно от 1500 по 1580 год.
В это время центр тяжести итальянского искусства из Флоренции
перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II,
человека честолюбивого, смелого и предприимчивого,
привлёкшего к своему двору лучших артистов Италии,
занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой
другим пример любви к художествам. При этом папе и его ближайших преемниках,
Рим становится как бы новыми Афинами времён Перикла:
в нём создаётся множество монументальных зданий,
исполняются великолепные скульптурные произведения,
пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся перлами живописи;
при этом все три отрасли искусства стройно идут рука об руку,
помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга.
Античное изучается теперь более основательно,
воспроизводится с большей строгостью и последовательностью;
спокойствие и достоинство водворяются вместо игривой красоты,
которая составляла стремление предшествовавшего периода;
припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический
отпечаток ложится на все создания искусства.
Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности,
и они, с большой находчивостью и живостью фантазии,
свободно перерабатывают и применяют к делу то,
что считают уместным заимствовать для него из греко-римского искусства.

Позднее Возрождение

Третий период Возрождения,
так называемый период «позднего Ренессанса»,
отличается каким-то страстным, беспокойным стремлением художников
совсем произвольно, без разумной последовательности, разрабатывать
и комбинировать античные мотивы, добиваться мнимой живописности
утрировкой и вычурностью форм.
Признаки этого стремления, породившего стиль барокко,
а затем, в XVIII столетии, стиль рококо, выказывались ещё в
предшествовавшем периоде в значительной степени по невольной вине
великого Микеланджело, своим гениальным, но слишком субъективным
творчеством давшего опасный пример крайне свободного отношения
к принципам и формам античного искусства; но теперь направление
это делается всеобщим.

****************************************************

АНДЖЕЛИКО, ФРА БЕАТО -
(Фра Джованни да Фьезоле) (Angelico, fra Beato; fra Giovanni da Fiesole)
(ок. 1400–1455), итальянский живописец флорентийской школы.
В его произведениях сочетались глубокое религиозное содержание и изысканность стиля;
готическая живописная традиция и черты нового искусства Ренессанса.
Фра Анджелико, в миру носивший имя Гвидо ди Пьеро (Guido di Piero),
родился в местечке Виккьо в Тоскане около 1400. В документе, относящемся к 1417,
он уже упоминается как художник; известно также,
что до 1423 во Фьезоле он вступил в доминиканский орден, получив имя фра Джованни да Фьезоле,
а впоследствии был настоятелем монастыря Сан Марко во Флоренции.
Многие произведения, приписывавшиеся раннему периоду творчества Фра Анджелико,
теперь считаются работами его учеников, вариациями на темы его композиций.
Одна из первых крупных работ художника – триптих Линайуоли из монастыря
Сан Марко во Флоренции (1433–1435), в центральной части которого представлена Богоматерь с Младенцем
на троне, а на боковых створках двое святых. Фигура Богоматери показана традиционно,
а в изображении стоящих святых заметно влияние живописи Мазаччо, с ее тяжелой и жесткой моделировкой лиц.
В 1430–1440-е годы Фра Анджелико одним из первых обратился к использованию нового типа алтарного образа,
ставшего очень популярным в эпоху Возрождения, – sacra conversazione (святое собеседование).
С 1438 по 1445 художник расписал фресками флорентийский монастырь Сан Марко.
Этот монастырь, переданный доминиканскому ордену папой Евгением IV, был перестроен архитектором
Микелоццо по заказу герцога Козимо Медичи. Тематика росписей связана с доминиканским орденом,
его историей, уставом, особо почитаемыми святыми.
Примером могут служить фрески клуатра (Мертвый Христос; Христос в образе странника,
которого принимают два доминиканских монаха; Св. Петр Мученик (главный святой доминиканцев);
Св. Доминик, стоящий на коленях у Распятия).
В зале капитула Фра Анджелико написал большую композицию Распятие с двумя разбойниками
по сторонам от Христа и толпой святых всех эпох христианства, собравшихся у подножия креста.
Их скорбные лики обращены к земле, ни один не смотрит вверх на Христа;
художник изобразил Распятие не как историческое событие, а как мистический образ,
живущий в человеческом сознании.
Фрески монастыря Сан Марко наполняет дух Подражания Христу – мистического религиозного трактата,
написанного каноником-августинцем Фомой Кемпийским.
Каждая келья тоже была украшена фресками, которые предназначались для назидания братии,
например композиция Осмеяние Христа. Настроению этих фресок соответствуют простота и
спокойная сдержанность живописи.
Последние десять лет жизни Фра Анджелико провел в Риме, где он украсил фресками капеллу
папы Николая V (1445–1448). Сюжетами росписей стали фрагменты житий св. Лаврентия и св. Стефана.
По замыслу это были скорее повествовательные сцены, чем молитвенные образы.
В них использованы сложные архитектурные фоны, в построении которых чувствуется знание
мастером античного искусства, а в точно выверенных перспективных построениях видно влияние
Мазаччо и Брунеллески.

Коронование Девы Марии

Мучение свв. Космы и Дамиана

*********************************************

Джотто ди Бондоне - родился в 1266 или 1267 г.
в деревне Веспиньяно недалеко от Флоренции в семье мелкого землевладельца.
Предположительно в возрасте 10 лет Джотто начал учиться живописи
в мастерской Чимабуэ, известного флорентийского живописца.
Джотто был гражданином Флоренции, хотя работал также в Ассизи, Риме, Падуе,
Неаполе и Милане. Его талант художника и практическая деловая хватка обеспечили
ему солидное состояние. Несмотря на то, что мастерская Джотто процветала,
история сохранила всего лишь несколько полотен, подписанных его именем,
да и те, по мнению специалистов, скорее всего принадлежат кисти его помощников.
Яркая личность Джотто выделяется среди итальянских мастеров Проторенессанса,
прежде всего, склонностью к новаторству, к созданию новой художественной манеры,
предопределившей классический стиль грядущей эпохи Возрождения.
Его живопись воплощает в себе идею человечности и несет первые зачатки гуманизма.
В 1290-99 гг. Джотто создал росписи Верхней церкви Сан-Франческо в Ассизи -
25 фресок, живописующих сцены из Ветхого Завета, а также эпизоды из жизни Франциска Ассизского
(«Чудо источника»). Фрески отличаются наглядностью, незамысловатой повествовательностью,
наличием бытовых деталей, придающих жизненность и естественность изображаемым сценам.
Отвергнув господствовавший в искусстве того времени церковный канон,
Джотто изображает своих персонажей похожими на реальных людей:
с пропорциональными, приземистыми телами, круглыми (а не удлиненными) лицами,
правильным разрезом глаз и т.п. Его святые не парят над землей, а прочно стоят на ней обеими ногами.
Они помышляют скорее о земном, чем о небесном, переживая вполне человеческие чувства и эмоции.
Впервые в истории итальянской живописи душевное состояние героев живописного произведения
передается мимикой лица, жестами, позой.
Вместо традиционного золотистого фона на фресках Джотто изображен пейзаж,
интерьер или скульптурные группы на фасадах базилик.
В каждой композиции художник изображает лишь один момент действия,
а не последовательность различных сцен, как это делали многие его современники.
В начале 1300-х гг. художник посетил Рим.
Знакомство с позднеантичной живописью и произведениями П. Каваллини
способствовало становлению его творческого метода.
Творческие достижения Джотто получили дальнейшее развитие в росписях капеллы Скровеньи
(капеллы дель Арена) в Падуе, выполненных им в 1304-06 гг.
Расположенные на стенах капеллы в 3 яруса,
фрески живописуют сцены из жизни Иоакима и Анны
(«Иоаким среди пастухов», «Жертвоприношение Иоакима», «Сон Иоакима», «Встреча у Золотых Ворот»),
Девы Марии и Христа («Рождество», «Поклонение волхвов», «Бегство в Египет»,
«Избиение младенцев», «Крещение Христа», «Воскрешение Лазаря»,
«Иуда, получающий плату за предательство», «Поцелуй Иуды»,
«Несение креста», «Распятие», «Оплакивание Христа», «Воскресение»),
а также сцены Страшного Суда.
Эти росписи - главное произведение и вершина творчества художника.
В 1300-02 гг. Джотто выполняет росписи в церкви Бадия во Флоренции.
К 1310-20 гг. исследователи относят знаменитый алтарный образ «Мадонна Оньиссанти».
Композиция не подписана, однако исследователи единодушно приписывают ее Джотто.
В 1320-е гг. Джотто создает росписи капелл Перуцци и Барди
во флорентийской церкви Санта-Кроче на темы житий Иоанна Крестителя,
Иоанна Евангелиста и Франциска Ассизского
(«Стигматизация св. Франциска», «Смерть и вознесение св. Франциска»).
В 1328-33 гг. Джотто при посредстве многочисленных учеников делал росписи при
неаполитанском дворе короля Роберта Анжуйского, который пожаловал художнику титул «придворного».
С 1334 г. Джотто руководил строительством собора Санта-Мария дель Фьоре
и городских укреплений во Флоренции, чем снискал широкое признание среди
современников и граждан Флоренции. Джотто приписывают проект кампанилы
(колокольни) флорентийского собора (начата в 1334 г., строительство продолжено
в 1337-43 гг. Андреа Пизано, завершено около 1359 г. Ф. Таленти).
Джотто был дважды женат и имел восемь детей.
В 1337 г. Джотто умер.

1.Иоаким удаляется в пустыню

2.Мадонна с младенцем

3.Скорбящий ангел 1

4.Св. Клара из Ассизи

5.Стигматизация св. Франциска

6.Св. Стефан

7.Рождество Христовo

8.Рождество Богородицы

9.Введение Марии во храм

10.Пьета, фрагмент

11.Богоматерь с младенцем на троне

12.Евангелист Иоанн на Патмосе

МАНТЕНЬЯ АНДРЕА -
(Mantegna, Andrea) (ок. 1431–1506),
один из крупнейших живописцев эпохи Возрождения в Северной Италии.
Мантенья сочетал в себе главные художественные устремления ренессансных мастеров 15 в.:
увлечение античностью, интерес к точной и тщательной, вплоть до мельчайших деталей,
передаче природных явлений и беззаветную веру в линейную перспективу
как средство создания на плоскости иллюзии пространства.
Его творчество стало главным связующим звеном между ранним Возрождением во Флоренции
и более поздним расцветом искусства в Северной Италии.
Мантенья родился ок. 1431; между 1441 и 1445 он был записан в цех живописцев в Падуе
как приемный сын Франческо Скварчоне, местного художника и антиквара,
в мастерской которого работал до 1448.
В 1449 Мантенья приступил к созданию фресковой декорации церкви Эремитани в Падуе.
В 1454 Мантенья женился на Николозе, дочери венецианского живописца Якопо Беллини,
сестре двух выдающихся мастеров 15 в. – Джентиле и Джованни Беллини.
Между 1456 и 1459 он написал алтарный образ для церкви Сан Дзено в Вероне. В 1460,
приняв приглашение маркиза Мантуи Лодовико Гонзага, Мантенья обосновался при его дворе.
В 1466–1467 он посетил Тоскану, а в 1488–1490 Рим,
где по просьбе папы Иннокентия VIII украсил фресками его капеллу.
Возведенный в рыцарское достоинство, занимая высокое положение при дворе,
Мантенья прослужил семейству Гонзага до конца жизни. Умер Мантенья 13 сентября 1506.
16 мая 1446 Мантенья и три других художника получили заказ на роспись капеллы Оветари
в падуанской церкви Эремитани (разрушенной во время Второй мировой войны).
Мантенье принадлежит большая часть работы по созданию фресок (1449–1455),
и именно его художественный стиль доминирует в ансамбле.
Сцена Святой Иаков перед Иродом Агриппой в капелле Оветари представляет образец стиля
раннего периода творчества Мантеньи.
В других живописных произведениях Мантеньи этого времени, таких, как картина Моление о чаше
(Лондон, Национальная галерея), в жесткой линеарной манере исполнены не только человеческие фигуры,
но и пейзаж, где каждый камень и былинка тщательно исследованы и прописаны художником,
а скалы испещрены изломами и трещинами.
Алтарный образ церкви Сан Дзено (1457–1459) в Вероне является живописной интерпретацией
знаменитого скульптурного Алтаря св. Антония, созданного Донателло
для базилики Сант Антонио (Санто) в Падуе. Триптих Мантеньи имеет обрамление,
выполненное в высоком рельефе и имитирующее элементы классической архитектуры.
Одним из самых замечательных образцов пространственно-иллюзионистической живописи
Мантеньи является роспись Камеры дельи Спози в палаццо Дукале в Мантуе, законченная в 1474.
Квадратное помещение визуально трансформировано фресками в легкий, воздушный павильон,
как будто закрытый с двух сторон написанными на стенах занавесями, а с двух других сторон открывающий
изображение двора Гонзага и пейзажную панораму на дальнем плане.
Свод Мантенья разделил на компартименты и поместил в них в обрамлении богатого антикизированного
орнамента изображения бюстов римских императоров и сцен из классической мифологии.
В верхней части свода написано круглое окно, через которое видно небо;
богато одетые персонажи глядят вниз с балюстрады, данной в сильном перспективном сокращении.
Этот фресковый ансамбль замечателен не только как один из первых в новом европейском искусстве
примеров создания на плоскости иллюзорного пространства, но и как собрание очень остро и точно
трактованных портретов (членов семьи Гонзага).
Цикл монохромных картин Триумф Цезаря (1482–1492) был написан по заказу Франческо Гонзага
и предназначался для украшения дворцового театра в Мантуе; эти картины плохо сохранились
и в настоящее время находятся во дворце Хэмптон-Корт в Лондоне.
На девяти больших холстах изображена длинная процессия с огромным количеством античных скульптур,
доспехов, трофеев. Ее движение достигает кульминации в торжественном прохождении перед Цезарем-победителем. Картины отражают обширные знания Мантеньи в области античного искусства и классической литературы.
В этом цикле и в Мадонне делла Витториа (1496, Париж, Лувр), написанной в память о военной победе Гонзага,
искусство Мантеньи достигло наибольшей монументальности. Формы в них объемны, жесты убедительны и ясны,
пространство трактовано широко и свободно.
Для студиоло (кабинета) Изабеллы д"Эсте, жены Франческо Гонзага, Мантенья написал две композиции
на мифологические темы (третья осталась незаконченной): Парнас (1497) и Минерва,
изгоняющая пороки (1502, обе в Лувре). В них заметно некоторое смягчение стиля Мантеньи,
связанное с новым пониманием пейзажа. Фресковая декорация Капеллы Бельведера,
выполненная Мантеньей для папы Иннокентия VIII в 1488, была, к несчастью, утрачена при
расширении Ватиканского дворца во время понтификата Пия VI.
Несмотря на то, что только семь гравюр могут считаться несомненно принадлежащими руке Мантеньи,
влияние мастера на развитие этого вида искусства огромно. Его гравюра Мадонна с Младенцем показывает,
насколько органично стиль художника может существовать в графической технике,
с присущей ей упругостью и остротой линии, фиксирующей движение резца гравера.
Другие гравюры, приписываемые Мантенье, – Битва морских богов (Лондон, Британский музей)
и Юдифь (Флоренция, галерея Уффици).

1.Распятие, 1457-1460.

2.Мадонна с Младенцем.
1457-59. Фрагмент

3.Моление о чаше.
Около 1460

4.Портрет кардинала Карло Медичи.
Между 1450 и 1466

5.Камера дельи Спози.
Окулюс. 1471-74

6.Камера дельи Спози. Фрагмент северной стены.

7.Камера дельи Спози. Фрагмент восточной стены.

8.Битва морских божеств.
1470-е гг.

9.Св. Себастьян.
Около 1480

10.Мадонна в скалах.
1489-90

12.Мадонна делла Виттория.
1496

13.Парнас.
1497, Лувр, Париж

14.Самсон и Далила. Около 1500
Национальная галерея, Лондон

****************************

БЕЛЛИНИ Джованни -
Беллини (Bellini), семья итальянских живописцев,
основоположников искусства Возрождения в Венеции.
Глава семьи – Якопо Беллини (около 1400–1470/71)
при мягкой лиричности образов сохранял связь с традициями готики
(“Мадонна с младенцем”, 1448, Галерея Брера, Милан).
В его рисунках, полных живых наблюдений
(зарисовки античных памятников, архитектурные фантазии),
отразился интерес к проблемам перспективы, влияние А.Мантеньи и П.Уччелло.
С именем Джентиле Беллини (около 1429–1507), сына Якопо Беллини,
связано зарождение венецианской жанрово - исторической картины,
(“Процессия на площади Сан-Марко”, 1496, “Чудо Святого Креста”, 1500, –
обе в Галерее Академии, Венеция). Джованни Беллини (около 1430–1516),
второй сын Якопо Беллини, – крупнейший мастер венецианской школы, заложивший
основы искусства Высокого Возрождения в Венеции.
Драматически острые, холодные по цвету ранние работы Джованни Беллини
(“Оплакивание Христа”, около 1470, Галерея Брера, Милан) к концу 1470-х год
сменяются гармонически ясными картинами, в которых величавым человеческим образам
созвучен одухотворённый пейзаж (так называемая “Озёрная мадонна”, 1490-е годы, Уффици;
“Пиршество богов”, Национальная галерея искусства, Вашингтон).
Произведения Джованни Беллини, в том числе его многочисленные “Мадонны”
(“Мадонна с деревцами”, 1487, Галерея Академии, Венеция; “Мадонна”, 1488,
Академия Каррара, Бергамо), отличаются мягкой гармонией звучных,
словно пронизанных солнцем насыщенных цветов и тонкостью светотеневых градаций,
спокойной торжественностью, лирической созерцательностью и ясной поэтичностью образов.
В творчестве Джованни Беллини наряду с классически упорядоченной композицией
ренессансной алтарной картины (“Мадонна на троне в окружении святых”, 1505,
церковь Сан-Дзаккария, Венеция) сформировался полный интереса к человеку
(портрет дожа Л.Лоредана, 1502, Национальная галерея, Лондон;
портрет кондотьера, 1480, Национальная галерея, Вашингтон).

1."Св.Георгий и дракон" Деталь Алтаря, 1470

2."Греческая мадонна"
1460

3."Портрет кондотьера"
1480

4."Пир богов"
1514

5."Распятие"
1501-1503

6."Мадонна с младенцем"
1480

7."Добродетель"
1500

8."Св.Иероним, читающий на природе"
1460

9."Преображение"
1485

10."Моление о чаше"
(Агония в саду) Ок.1470

11."Мадонна и младенец с благословлением"
1510, Собрание Брера, Милан

12."Аллегория Чистилища" (лев.фр.)
1490-1500, Галерея Уффици

13."Четыре Аллегории
Упорство и Судьба", 1490

14. "Аллегория Чистилища" (прав.фр)
1490-1500, Галерея Уффици

15."Четыре Аллегории
Благоразумие и Лживость", 1490

16."Обнаженная молодая женщина с зеркалом"
1505-1510, Музей истории искусств, Вена

****************************

Боттичелли Сандро -
[собственно Алесандро ди Мариано Филипепи, Alessandro di Mariano Filipepi]
(1445–1510), итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения.
Принадлежал к Флорентийской школе, около 1465–1466 учился у Филиппо Липпи;
в 1481–1482 работал в Риме. Ранним работам Боттичелли свойственны
ясное построение пространства, четкая светотеневая лепка, интерес к бытовым деталям
(“Поклонение волхвов”, около 1476–1471,). С конца 1470-х годов, после сближения Боттичелли
с двором правителей Флоренции Медичи и кругом флорентийских гуманистов,
в его творчестве усиливаются черты аристократизма и утонченности, появляются картины
на античные и аллегорические темы, в которых чувственные языческие образы проникнуты
возвышенной и вместе с тем поэтической, лирической одухотворенностью
(“Весна”, около 1477–1478, “Рождение Венеры”, около 1483–1485, – обе в Уффици).
Одушевленность ландшафта, хрупкая красота фигур, музыкальность легких, трепетных линий,
прозрачность изысканных, словно сотканных из рефлексов красок создают в них атмосферу
мечтательности и легкой грусти.
В выполненных Боттичелли в 1481–1482 фресках в Сикстинской капелле в Ватикане
(“Сцены из жизни Моисея”, “Наказание Корея, Дафана и Абирона” и др.)
величественная гармония пейзажа и античной архитектуры сочетается с
внутренней сюжетной напряженностью, остротой портретных характеристик, свойственной,
наряду с поисками тонких нюансов внутреннего состояния человеческой души,
и станковым портретам мастера (портрет Джулиано Медичи, 1470-е, Бергамо;
портрет молодого человека с медалью, 1474, галерея Уффици, Флоренция).
В 1490-е годы, в эпоху потрясших Флоренцию социальных брожений и мистико-аскетических
проповедей монаха Савонаролы, в искусстве Боттичелли появляются ноты драматизма
и религиозной экзальтации (“Клевета”, после 1495, Уффици), однако его рисунки
к “Божественной комедии” Данте (1492–1497, Гравюрный кабинет, Берлин, и Ватиканская библиотека)
при остроте эмоциональной выразительности сохраняют легкость линии и ренессансную ясность образов.

1."Портрет Симонеты Веспуччи" Ок.1480

2."Аллегория Добродетели"
1495

3."История Лукреции"
Ок.1500

4."Портрет молодого человека с медалью"

5."Мистическое Рождество"
Ок.1500

6."Наказание Корея, Дафана и Абирона"

7."Св. Августин Блаженный"
Ок.1480

8."Благовещение"
Ок.1490

9."Мадонна Магнификат"
1486

10."Мадонна с гранатом"
1487

11. "Поклонение волхвов"
Алтарь Заноби 1475

12."Клевета"
1495

13."Венера и Марс"
1482-1483

14."Весна" 1477-1478
Галерея Уффици, Флоренция

15."Мадонна с книгой" 1485
Музей Польди-Пеццоли, Милан

16."Афина Паллада и Кентавр" 1482
Галерея Уффици, Флоренция

17."Рождение Венеры" Ок.1482
Галерея Уффици, Флоренция

18.Фреска Сикстинской капеллы
(деталь) 1482 Рим, Ватикан

19."История Настаджо дельи Онести"
Ок.1485 Прадо, Мадрид

****************************

ВЕРОНЕЗЕ Паоло -(Veronese; собственно Кальяри, Caliari) Паоло (1528–1588),
итальянский живописец эпохи Позднего Возрождения.
Учился у веронского живописца А.Бадиле; работал главным образом в Венеции, а также в Вероне, Мантуе, Виченце, Падуе, в 1560, возможно, посетил Рим. Сложившаяся к середине 1550-х годов художественная манера Веронезе воплотила лучшие черты венецианской школы живописи: легкий, артистически - изощренный рисунок и пластичность формы сочетаются у него с изысканной колористической гаммой, основанной на сложных сочетаниях чистых цветов, объединенных светоносным серебристым тоном.

1."Нахождение Моисея"
1580

2."Искушение святого Антония"
1567

3."Умерщвление св.Юстинии"
1573

4."Портрет Даниеле Барбаро"
1569

5."Христос и самаритянка" (фрагмент)
1582

6."Голгофа"
1570-е

7."Марс и Венера"
1570-е

8."Аллегория любви. Измена"
1570

9."Святая Лючия"
1580

10."Христос в Эммаусе"
1570-е

11."Казнь святых Марка и Марциллиана"
1578

12."Пир в доме Симона"
Ок.1581

13."Ангелы"
(фрагм."Женщина из Зебедии и Христос")

14."Купание Сусанны"
1570-е, Лувр, Париж

15. "Не прикасайся ко мне!" 1570-е
Художественный музей, Гренобль

16."Купание Вирсавии" 1570-е
Музей изящных искусств, Лион

****************************

ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ -
(Leonardo da Vinci) (1452-1519),
итальянский живописец, скульптор, архитектор, ученый и инженер.
Основоположник художественной культуры Высокого Возрождения,
Леонардо да Винчи сложился как мастер,
обучаясь во Флоренции у А. дель Верроккьо.
Методы работы в мастерской Вероккьо, где художественная практика
сопрягалась с техническими экспериментами,
а также дружба с астрономом П.Тосканелли способствовали
зарождению научных интересов молодого да Винчи.

1."Мадонна с прялкой" 1501

2."Дева и младенец с св.Анной"
Ок.1507

3."Вакх"
1510-1513

4."Иоанн Креститель"
1513-1517

5."Леда и лебедь"
1490-1500-е

6."Мадонна с гвоздикой" 1473

7."Портрет Беатриче д"Эсте"
1490-е

8."Портрет Джиневры Бенчи"
1476

9."Благовещение"
1472-1475

10."Тайная вечеря"
(центральный фрагмент) 1495-1497, Милан

11.Реставрационная версия фрески "Тайная вечеря"
(центральный фрагмент)

12."Мадонна Литта"
Ок.1491, Эрмитаж, Санкт-Петербург

13."Дама с горностаем" 1485-1490
Национальный музей, Краков

14."Портрет музыканта" 1490
Пинакотека Амброзиана, Милан

15. "Мона Лиза" (Джоконда)
1503-1506, Лувр, Париж

16."Мадонна Бенуа" 1478
Эрмитаж, Санкт-Петербург

17."Портрет неизвестной"
Ок.1490, Лувр, Париж

18."Мадонна в скалах" Ок. 1511
Национальная галерея, Лондон

****************************

ДЖОРДЖОНЕ -
(Giorgione; собственно Джорджо Барбарелли да Кастельфранко,
Barbarelli da Castelfranco) (1476 или 1477–1510),
итальянский живописец, один из основоположников
искусства Высокого Возрождения.
Учился, вероятно, у Джованни Беллини,
был близок к кругу венецианских гуманистов,
славился также как певец и музыкант.
Наряду с композициями на религиозные темы
(“Поклонение пастухов”, Национальная галерея искусства, Вашингтон).
Джорджоне создавал картины на светские, мифологические сюжеты,
именно в его творчестве получившие преобладающее значение.

1."Гроза"
1505

2."Воин со своим оруженосцем"
1509

3."Мадонна на троне
и святые" 1505

4."Мадонна на фоне пейзажа"
1503

5."Три возраста жизни"
1510

6."Мадонна с книгой"
1509-1510

7."Нахождение Моисея"
1505

8."Поклонение пастухов"
Ок.1505

9."Портрет Антонио Броккардо"

10."Сельский концерт"
1510

11."Портрет старухи"
Ок.1510

12."Церера"
Ок.1508

13."Портрет юноши"
Ок.1506

14."На закате"
1506

15."Мадонна с младенцем и святые"
1510

16."Юдифь" Ок.1504
Эрмитаж, Санкт-Петербург

17."Лаура" 1506
Музей истории искусств, Вена

18."Спящая Венера"
Ок.1510, Дрезденская галерея

19."Три философа" 1508
Музей истории искусств, Вена

****************************

КАРПАЧЧО Витторе -
(Carpaccio) Витторе
(около 1455 или 1456 - около1526),
итальянский живописец Раннего Возрождения.
Учился у Джентиле Беллини; работал в Венеции.
Легендарные священные события Карпаччо трактовал как реальные сцены,
развернутые в пространстве современной ему Венеции,
включал в них городские пейзажи и интерьеры, многочисленные жанровые детали,
ярко воссоздающие быт горожан (циклы картин из жизни Св.Урсулы, 1490-1495,
Галерея Академии, Венеция, а также Св.Георгия и Св.Иеронима, 1502-1507,
Скуола ди Сан-Джорджо дельи Скьявони, Венеция).
Стремление к созданию целостной картины мироздания уживается в произведениях
Карпаччо с увлекательный повествовательностью,
поэтической и несколько наивной свежестью деталей.
Тонко передавая эффект смягчения световоздушной средой
звучания локальных цветовых пятен,
Карпаччо подготовил колористические открытия венецианской школы живописи XVI века.

1."Прибытие паломников
в Кельн"
1490

2."Мадонна, Иоанн Креститель и святые"
1498

3."Лев святого Марка"
(фрагмент)
1516

4."Диспут св.Стефана"
Житие св.Стефана
1514

5."Спаситель и четыре апостола"
1480

6."Святой Георгий, поражающий дракона"
1502-1508

7."Апофеоз святой Урсулы"
1491

8."Умерщвление десяти тысяч"
1515

9."Крещение селенитов св. Георгием"
1507

10."Молодой рыцарь" 1510,
Собрание Тиссен-Борнемиса, Мадрид

11."Аллегория. Страсти Христовы"
1506, Метрополитен, Нью-Йорк

12."Встреча паломников с Папой"
1493, Галерея Академии, Венеция

13."Чудо Святого Креста"
1494, Галерея Академии, Венеция

****************************

МИКЕЛАНДЖЕЛО Буонаротти -
(Michelangelo Buonarroti; иначе Микеланьоло ди Лодовико ди Лионардо ди Буонаррото Симони)
(1475-1564), итальянский скульптор, живописец, архитектор и поэт
.В искусстве Микеланджело с огромной выразительной силой воплотились как глубоко человечные,
полные героического пафоса идеалы Высокого Возрождения, так и трагическое ощущение кризиса
гуманистического миропонимания, характерное для позднеренессансной эпохи.
Микеланджело учился во Флоренции в мастерской Д.Гирландайо (1488-1489) и
у скульптора Бертольдо ди Джованни (1489-1490),
однако определяющее значение для творческого развития Микеланджело имело его знакомство
с работами Джотто, Донателло, Мазаччо, Якопо делла Кверча,
изучение памятников античной пластики.
Творчество Микеланджело,
ставшее блестящим заключительным этапом итальянского Возрождения,
сыграло огромную роль в развитии европейского искусства,
во многом подготовило становление маньеризма,
оказало большое влияние на сложение принципов барокко.

1.Роспись свода Сикстинской капеллы

2.Люнеты (пророки и папы)

3.Деталь росписи «Сотворение Адама»

4.Деталь «Пророки Иеремия и Исайя»

5.Деталь росписи «Сотворение Евы»

6.«Святое семейство» 1506

7.Сикстинская капелла
"Потоп"

8.Сикстинская капелла
"Ливийская сивилла"

9.Сикстинская капелла
"Отделение света от тьмы"

10.Сикстинская капелла
"Грехопадение"

11.Сикстинская капелла
"Эритрейская сивилла"

12.Сикстинская капелла
"Пророк Захария"

****************************

РАФАЭЛЬ Санти -
(собственно Раффаэлло Санти или Санцио, Raffaello Santi, Sanzio)
(1483-1520), итальянский живописец и архитектор.
В его творчестве с наибольшей ясностью воплотились
гуманистические представления Высокого Возрождения
о прекрасном и совершенном человеке, живущем в гармонии с миром,
характерные для эпохи идеалы жизнеутверждающей красоты.
Рафаэль, сын живописца Джованни Санти, ранние годы провел в Урбино,
в 1500-1504 учился у Перуджино в Перудже.
Произведения этого периода отмечены тонкой поэзией
и мягким лиризмом пейзажных фонов.
Искусство Рафаэля, оказавшее громадное влияние на европейскую живопись XVI-XIX
и, отчасти, XX веков, на протяжении столетий сохраняло для художников и зрителей
значение непререкаемого художественного авторитета и образца.

1."Мадонна Грандука"
1504

2."Мадонна дель Импанната"
1504

3."Мадонна в зелени"
Ок.1508

4."Святое семейство под дубом"
1518

5."Алтарь св.Николаса"
(фрагм.) 1501

6."Битва св.Георгия с драконом"
1502

7."Три грации"
1502

8."Сон рыцаря"
1502

9."Триумф Галатеи"
1514

10."Мадонна Ансидеи"
Ок.1504

11."Несение креста"
1516

12."Св.Михаил и дракон"
1514

13."Адам и Ева"
1509-1511

14."Иоанна Арагонская"
1518

15."Дама с единорогом"
Ок.1502

16."Портрет Маргариты Лути"
1519

17."Портрет Бальтазара Кастильоне" 1515

18."Мадонна Каниджани" 1508
Старая пинакотека, Мюнхен

19."Мадонна Конестабиле" 1502-1504
Эрмитаж, Санкт-Петербург

20."Видение Иезекииля" 1515
Палаццо Питти, Флоренция

21."Сикстинская Мадонна" 1514
Картинная галерея, Дрезден

****************************

ТИЦИАН -
(собственно Тициано Вечеллио, Tiziano Veccellio),
(1476/77 или 1480-е годы - 1576),
итальянский живописец эпохи
Высокого и Позднего Возрождения.
Учился в Венеции у Джованни Беллини,
в мастерской которого сблизился с Джорджоне;
работал в Венеции, а также в Падуе, Ферраре, Мантуе, Урбино, Риме и Аугсбурге.
Тесно связанный с венецианскими художественными кругами
(Джорджоне, Я.Сансовино, писатель П.Аретино и др.),
выдающийся мастер венецианской школы живописи,
Тициан воплотил в своем творчестве гуманистические идеалы Возрождения.
Его жизнеутверждающее искусство отличается многогранностью,
широтой охвата действительности, раскрытием глубоких драматических конфликтов эпохи.
Живописная техника Тициана оказала исключительное влияние на дальнейшее,
вплоть до ХX века, развитие мирового изобразительного искусства.

1."Светская любовь"
(Тщеславие) 1515

2."Диана и Каллисто"
1556 - 1559

3."Бахус и Ариадна"
1523-1524

4."Похищение Европы"
1559 - 1562

5."Грехопадение"
1570

6."Флора"
1515

7."Иоланта"
(La Bella Gatta)

8."Федериго Гонзага из Мантуи"
1525

9."Венера с зеркалом" 1555

10."Даная и амур"
1546

11."Любовь земная и небесная"
1510

12."Портрет молодой женщины"
Ок.1530, Эрмитаж, Санкт-Петербург

13."Кающаяся Мария Магдалина"
1560-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург

14."Диана и Актеон" 1556
Нац. галерея Шотландии, Эдинбург

15. "Вакханалия"
1525, Музей Лувр, Париж

16."Венера Урбинская"
1538, Уффици, Флоренция

17."Венера и Адонис"
1554, Прадо, Мадрид

****************************

Эпоха Возрождения внесла большие изменения в искусство живописи. Художники овладели умением тонко передавать свет и тень, пространство, естественными стали позы и жесты их персонажей. С большим мастерством изображали они на своих картинах сложные человеческие чувства.

В живописи Раннего Возрождения, или Кватроченто (XV в.), обычно звучат мажорные ноты; ее отличают чистые цвета, персонажи выстроены в ряд и очерчены темными контурами, отделяющими их от фона и светлых дальних планов. Очень подробно и тщательно выписаны все детали. Хотя живопись Кватроченто еще не столь совершенна, как искусство Высокого и Позднего Возрождения, она до глубины души трогает зрителя своей чистотой и искренностью.

Самым первым значительным живописцем эпохи Раннего Возрождения стал Мазаччо. Хотя художник прожил всего 28 лет, он успел оставить значительный вклад не только в живопись эпохи Возрождения, но и во все мировое искусство. Его картины отличаются глубоким колоритом, фигуры кажутся плотными и удивительно живыми. Мазаччо прекрасно передает перспективу и объемы, владеет светотеневыми эффектами. Первым из живописцев Раннего Возрождения он изобразил обнаженное человеческое тело и представил своих героев прекрасными и сильными, достойными уважения и восхищения. Позднее на произведениях Мазаччо («Изгнание из рая», «Чудо с податью») учились такие великие мастера Высокого Возрождения, как Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль.

В этот период свои творения создавали многие замечательные художники. Во Флоренции работал Паоло Уччелло, писавший батальные сцены и славившийся умением изображать коней и всадников в сложных ракурсах и позах. Джорджо Вазари, посредственный художник и замечательный биограф и историк искусства, живший в XVI в., рассказывал, что Уччелло мог неделями и даже месяцами не выходить из дома, решая поставленные перед собой сложнейшие проблемы перспективы. Своим близким, умолявшим его прервать эти занятия, он отвечал: «Оставьте меня, нет ничего сладостнее перспективы».

Во Флоренции работал живописец Филиппо Липпи. В юности он был монахом монастыря братьев-кармелитов, но вскоре оставил его, посвятив себя живописи. О его жизни существует множество легенд. Рассказывают, что за любовными похождениями бывшего монаха с интересом следила вся Флоренция. Свою будущую жену, Лукрецию Бути, художник похитил из монастыря. В дальнейшем он не раз писал ее в образе Мадонны («Коронование Марии», 1447; «Мадонна под вуалью»). Картины Филиппо Липпи лишь формально связаны с религиозными темами: они лишены драматизма и патетики, нет в них величия и монументальности. В то же время жизнерадостные кудрявые ангелы, хорошенькие дети и милые женщины пленяют зрителя своим очарованием. С большим мастерством художник пишет уютные и свежие лесные пейзажи, являющиеся фоном к библейским сценам. У современников произведения Филиппо Липпи пользовались большой популярностью, он был любимым художником Козимо Медичи, который был в то время правителем Флоренции.

В это же время работал другой флорентийский мастер, монах-доминиканец и настоятель монастыря Сан-Марко Фра Беато Анджелико, произведения которого исполнены глубокого религиозного чувства. Всю свою жизнь Фра
Анджелико посвятил созданию икон и фресок для монастырей. Его живопись отличается яркими и чистыми красками, сияющей позолотой. По-готически удлиненные фигуры его Мадонн кажутся одухотворенными, отрешенными от всего земного. Одна из лучших работ Фра Анджелико - алтарная композиция «Коронование Марии» (ок. 1435-1436) . Его Богоматерь - воплощение поэтичной, чистой женственности, радостной и спокойной. В живописи флорентийского мастера нет мрачного мистицизма; даже в многофигурном алтаре на тему Страшного суда на левой стороне художник изобразил блаженный рай с фигурами счастливых ангелов в прекрасных одеждах.

В это время в Нидерландах были изобретены масляные краски, которые позволили живописцам делать цветовые переходы более тонкими, свободнее использовать свет для оживления колорита. Помогали они и добиваться единой цветовой тональности. Первым из итальянских художников масляными красками начал писать представитель флорентийской школы, венецианец по происхождению, Доменико Венециано. Уже в ранних его работах («Поклонение волхвов», 1434) ярко проявляется колористическое дарование художника. Чистые, почти прозрачные краски, насыщенные светом, образуют единую тональную гамму. Более поздние произведения поражают виртуозной передачей световоздушной среды - считается, что Доменико Венециано одним из первых стал изображать ее на своих полотнах.

Мастерство живописца особенно полно выразилось в знаменитых флорентийских портретах Доменико Венециано.

Чаще всего он изображал женские лица в профиль (имена большинства моделей не установлены) на фоне серебристого неба или пейзажа. Стараясь сделать краски более чистыми и яркими, художник добавлял в них льняное масло.

Достижения Доменико Венециано были развиты его учеником и последователем Пьеро делла Франческа, которого современники считали «монархом живописи». Уроженец Тосканы, работавший во Флоренции, он изучал творчество Джотто, Мазаччо и Паоло Уччелло. Некоторое влияние на него оказала также нидерландская живопись. Не только художник, но и известный исследователь искусства, Пьеро делла Франческа написал теоретические трактаты - «О перспективе в живописи» и книжицу «О пяти правильных телах».

Произведения Пьеро делла Франчески отличаются ясной и четкой композицией, умелой передачей световоздушной среды, чистыми и свежими красками. Человек в его картинах лишен того внутреннего конфликта, который появится в дальнейшем в живописи Позднего Возрождения и барокко. Герои Пьеро делла Франчески спокойны, величавы и мужественны. Именно эти качества присущи образам герцога и герцогини Урбинских - Федериго да Монтефельтро и его жены, Баттисты Сфорца, в знаменитом парном портрете.

Полководец, политик и меценат, правитель Урбино Федериго да Монтефельтро был близким другом художника. Пьеро делла Франческа изобразил герцога и в другой известной картине - «Мадонна со святыми и ангелами и заказчиком Федериго да Монтефельтро».

Прекрасно умевший передавать перспективу, Пьеро делла Франческа писал великолепные архитектурные ведуты (ведута - картина-план «идеального города»), оказавшие большое влияние на творчество современных ему архитекторов.

В эпоху Высокого Возрождения искусство Пьеро делла Франчески стало казаться устаревшим, и Римский Папа предложил Рафаэлю расписать стены Ватикана, покрытые фресками Пьеро делла Франчески. Рафаэль согласился и мастерски справился с работой.

Наиболее ярко художественные идеалы позднего Кватроченто были представлены мастером умбрийской школы живописи Пьетро Перуджино. Его живопись, спокойная, созерцательная и лиричная, наполнена хрупкими и изящными образами, окруженными поэтичными холмистыми пейзажами Умбрии. Ясная гармония полотен Перуджино сближает его живопись с искусством Высокого Возрождения («Оплакивание Христа», ок. 1494-1495; «Мадонна со святыми, 1496). Живописец
оказал большое влияние на своего ученика - знаменитого Рафаэля.

Почти в каждом городе Италии существовала художественная школа, обладавшая собственной индивидуальностью.
Но все они стремились показать в своем искусстве красоту земли и человека. В эту эпоху одним из самых значительных культурных центров была Падуя с ее знаменитым университетом. В этом городе в XV в. жил знаток искусства Франческо Скварчоне. Он собирал в окрестностях Падуи, а также далеко за пределами города античные монеты, медали, обломки барельефов. Его увлеченность передалась падуанским живописцам, скульпторам, мастерам по золоту, которые окружали его и считали своим учителем.

Скварчоне воспитал великого живописца Андреа Мантенью, который попал в его дом десятилетним мальчиком. Творчество Мантеньи, прожившего долгую жизнь, необычайно многогранно: кроме живописи и гравюры, он увлекался геометрией оптикой, археологией. Полюбивший еще в доме Скварчоне искусство античного Рима (в эпоху Возрождения в Италии еще не знали об искусстве Древней Греции), живописец использовал в своих произведениях его образы, придав им героико-романтические черты. Его святые, властители, воины, написанные на фоне мрачного каменистого пейзажа, производят впечатление величия и мощи. Многие работы Мантеньи пронизаны глубоким драматизмом. Такова его знаменитая композиция «Мертвый Христос», поразившая современников своей эмоциональностью.

Мантенья прославился и как талантливый гравер на меди. Он первым сделал гравюру равноправным видом изобразительного искусства.

Своей вершины живопись Проторенессанса достигла в творчестве Боттичелли.

Сандро Боттичелли

До наших дней дошло не так много сведений о жизни Сандро Боттичелли и об истории создания им произведений, ставших позднее жемчужинами мирового изобразительного искусства. Искусствоведам и историкам стали известны лишь некоторые факты из биографии великого мастера.

Родился Боттичелли в 1444 г. Живописи учился в художественной мастерской Филиппо Липпи. Раннее творчество Боттичелли отмечено влиянием искусства Липпи, а также идей, сформировавшихся при дворе Лоренцо Медичи. Однако с большой долей уверенности можно говорить о том, что образы, созданные великим художником, были объемнее и содержательнее произведений живописцев, работающих под покровительством Медичи.

Ранние портреты Боттичелли носят следы влияния живописной манеры Филиппо Липпи, а также Андреа Верроккьо и Поллайоло. В более поздних работах индивидуальность мастера проявляется глубже. Так, на известном полотне «Поклонение волхвов» изображены члены семьи Медичи и дан автопортрет художника. Композиция отличается богатством, яркостью и вместе с тем нежностью красок, а также тонким изяществом и легкостью. Образы, созданные Боттичелли, наполнены лиризмом и необыкновенной, идущей из глубины души красотой.

В 70-е гг. XV в. появляется первая картина Боттичелли, принесшая живописцу огромную славу среди современников и оставившая память о мастере в веках. Это полотно - «Весна», ныне хранящееся в галерее Уффици во Флоренции. Произведение было написано после прочтения художником одного из стихотворений Полициано. Образы-аллегории представлены на фоне чудесного лесного пейзажа. Похожий на райский, сад потрясает своей необычностью и неземной красотой. Центральное место в композиции отведено Венере. С правой стороны от нее размещена Флора, рассыпающая сказочные цветы, слева - танцующие грации, легкие и воздушные, похожие на белые, почти прозрачные облака. Динамика создается именно за счет изображения движущихся в хороводе граций.

Вся картина отличается необыкновенной красотой и нежностью. Несмотря на то что название ее - «Весна», при взгляде на картину возникает чувство легкой грусти, с которым мы не привыкли отождествлять весну. В сознании любого человека весна - это обновление мира, радость, восторг. У Боттичелли же происходит переосмысление общепринятых и привычных образов.

В 1481 г. Сандро Боттичелли отправляется в Рим, где расписывает стены Сикстинской капеллы. В числе прочих фресок его кисти принадлежит и знаменитая «Жизнь Моисея».

В 1482 г. художник вновь поселяется во Флоренции. Искусствоведы и биографы считают этот год наиболее плодотворным для становления и развития творчества мастера-живописца. Именно тогда появляется знаменитое полотно «Рождение Венеры», находящееся сейчас в галерее Уффици во Флоренции.

В картине нет плоскостного изображения - Боттичелли выступает здесь как мастер передачи пространственных линий.
Именно они создают впечатление глубины и объемности, призванных показать динамику движений действующих лиц живописного повествования. Светлые пастельные тона полотна и умело используемые сочетания красок (прозрачно-зеленые воды моря, голубые накидки зефиров, золотистые волосы Венеры, темно-красный плащ в руках у нимфы) создают ощущение необычайной нежности и говорят о тонком чувстве цвета художника.

Центральной фигурой композиции является Венера, только что вышедшая из вод синего моря. Она обнажена. Однако благодаря ее спокойному и одухотворенному взгляду у зрителя не возникает ощущения неловкости. Богиня прекрасна, насколько может быть прекрасным неземное существо, сошедшее с небес. Образ Венеры можно легко узнать на полотнах, созданных Боттичелли по известным библейским мотивам. Среди полотен с религиозным содержанием наиболее заметными являются «Мадонна на троне» (1484) и «Мадонна во славе» («Магнификат»).

Обе они в настоящее время находятся в галерее Уффици во Флоренции. «Мадонна во славе» отличается тонким лиризмом образов. Динамика композиции создается благодаря круглой форме картины, ритмы которой повторяются
в расположении движущихся фигур. Пейзаж, выведенный на задний план композиции, создает объем и пространство.

Необычайно красивы и лиричны также портретные работы великого живописца. Среди них особый интерес представляют
портрет Джулиано Медичи и «Портрет юноши». Однако в настоящее время некоторые искусствоведы приписывают авторство последней работы ученику Сандро Боттичелли Филиппино Липпи (сын Филиппо Липпи).

90-е гг. XV столетия стали для художника переломными. Это время отмечено изгнанием Медичи и приходом к власти
Савонаролы, чьи религиозные проповеди были направлены на обличение Папы и богатых флорентийских семейств. Он
критиковал и светское искусство, а всех художников и поэтов, по мнению Савонаролы, после смерти ожидала геенна огненная. Чтобы избежать этого, необходимо отречься от искусства и покаяться в грехах…

Эти проповеди существенно повлияли на мировоззрение Боттичелли, что не могло не отразиться на его творчестве. Произведения живописца, созданные в этот период, отличаются необычайно глубоким пессимизмом, безнадежностью и обреченностью. Автор все чаще обращается теперь к христианским сюжетам, забыв об античности. Характерным для Боттичелли произведением этого времени является «Покинутая», ныне хранящаяся в собрании Паллавичини в Риме. Сюжет картины достаточно прост: плачущая женщина сидит на каменных ступенях у стены с плотно закрытыми воротами. Но, несмотря на простоту содержания, картина очень выразительна и создает у зрителя угнетающее, грустное и тоскливое настроение.

В 1490-х гг. XV в. появляются иллюстрации Боттичелли к «Божественной комедии» Данте. До наших дней сохранилось лишь 96 рисунков, которые находятся сейчас в музеях Берлина и Ватикана. Все образы зарисовок необычайно хрупки, воздушны и легки, что является отличительной чертой всего творчества Боттичелли.

В тех же 90-х гг. великим мастером было создано полотно «Клевета», хранящееся в галерее Уффици во Флоренции. Картина примечательна тем, что здесь несколько меняется манера письма. Линии, создающие образы, становятся более резкими и заостренными. Композиция наполнена патетикой, эмоциональностью и большей, по сравнению с другими работами, определенностью образов.

Вершиной выражения религиозного фанатизма художника стала картина под названием «Оплакивание Христа». В настоящее время варианты полотна хранятся в музее Польди-Пеццоли в Милане и Старой пинакотеке в Мюнхене. Особый интерес здесь представляют образы приближенных к Христу, наполненные глубокой скорбью и тоской. Впечатление трагизма усиливается за счет использования художником контрастных, то темных, то ярких красок. Перед зрителем уже не бестелесные, почти невесомые и невидимые образы, а вполне конкретные и четкие фигуры.

Одним из ярчайших произведений, относящихся к позднему периоду творчества Боттичелли, является полотно «Сцены из жизни Св. Зиновия», хранящееся в настоящее время в Дрезденской картинной галерее в Германии. Выполненная в стиле росписи старинных алтарных приделов, композиция представляет собой некий коллаж, составленный из отдельных картин, повествующих о жизни святого. Однако, несмотря на сходство со старинным искусством, в полотне достаточно ясно проявилась творческая индивидуальность мастера живописи. Его образы цельные и ясные. Размещены они не в абстрактном пространстве, а на фоне конкретного пейзажа. Место действия у Боттичелли четко определено: чаще всего это обыкновенные городские улицы с виднеющимся вдали прекрасным лесом.

Особый интерес представляют сочетания используемых живописцем красок. Манера письма с этой точки зрения во многом сходна с техникой расписывания старинных икон, колорит которых основан не на ярком контрасте, а на подборе спокойных, близких по цвету тонов.

Сандро Боттичелли умер 17 мая 1510 г. Его творчество оказало большое влияние не только на мастеров XV-XVI вв., но и многих живописцев более поздних эпох.

В эпоху Проторенессанса творили также такие замечательные художники, как сиенские живописцы, жившие в одно время с Дуччо, братья Амброджо и Пьетро Лоренцетти; флорентийцы Мазолино и Беноццо Гоццоли, умбриец Джентиле де Фабриано; живописец и медальер Пизанелло; флорентийцы Филиппино Липпи (сын Филиппо Липпи) и Пьеро ди Козимо. Представителями умбрийской школы были живописцы Лука Синьорелли, Пинтуриккио, Мелоццо да Форли. В Ферраре работали Козимо Тура, Эрколе Роберти, Франческо дель Косса, Лоренцо Коста.

В XV в. во Флоренции большой популярностью пользовался еще один живописный жанр. Во многих семьях были нарядные сундуки (кассоне), в которых девушки хранили свое приданое. Мастера покрывали их искусной резьбой и изящной живописью. Чаще всего художники использовали для росписей мифологическую тематику.

Венецианская живопись

Особое место в искусстве Кватроченто принадлежит Венеции. Удивительный город, расположенный на ста восемнадцати островах, отделенных друг от друга ста шестьюдесятью каналами, был в ту эпоху городом-государством. Венеция, республика купцов, торгующая с Египтом, Грецией, Турцией, Сирией, Багдадом, Индией, Аравией, Северной Африкой, Германией и Фландрией, была открыта для проникновения других культур.

Венецианская живопись призвана была запечатлеть всю красоту, богатство и великолепие этого великого города. Своего расцвета она достигла во второй половине XV в. Произведения венецианских мастеров, красочные и празднично-декоративные, украшали храмы, дворцы, помещения различных общественных заведений, восхищая правителей и простых граждан.

Ярким примером венецианской живописи является творчество Витторе Карпаччо. Его простодушные повествовательные композиции поэтично представляют Венецию во время торжественных церемоний («Прием послов»). Художник изображает и повседневную жизнь родного города; он пишет сцены из Священной истории, трактуя их с точки зрения современности. Таковы его «Житие св. Урсулы» (1490-е), «Сцены из жизни Марии», «Житие св. Стефана» (1511-1520).

Реалистические тенденции венецианской живописи эпохи Раннего Возрождения нашли отражение в творчестве Антонелло да Мессина. Одна из самых знаменитых его картин - «Св. Себастьян» (1476). Тема мученичества св. Себастьяна, ставшего жертвой противника христианства Диоклетиана, была широко распространена среди художников Возрождения, но Антонелло да Мессина по-особому трактует ее: в образе Себастьяна нет той страдальческой экзальтации, которая свойственна произведениям, написанным на тот же сюжет другими живописцами с этим сюжетом. Художник заставляет зрителя любоваться красотой человеческого тела и восхищаться мужеством и силой духа прекрасного юноши. Воздухом и светом пронизан спокойный пейзаж, на фоне которого изображен Себастьян. За его спиной высятся величественные городские постройки, у ног лежит античная колонна.

Антонелло да Мессина - замечательный мастер портрета, лучшие произведения этого жанра - т. н. «Автопортрет» (ок. 1473), «Кондотьер», «Мужской портрет» (1470-е) . Этим работам свойственна сдержанность и обобщенность, качества, которые так ценили современники художника. Портретное творчество мастера предвосхитило творчество Джованни Беллини.

Крупный мастер венецианского Кватроченто, Джованни Беллини считается одним из основоположников Высокого Возрождения. Трагическим величием отмечены его работы «Мадонна со святыми» (1476) , «Оплакивание Христа» (1475). Приковывает внимание его таинственная «Озерная мадонна» (ок. 1500), навеянная французской поэмой
о золотом веке «Паломничество души». В этой картине соединились прекрасные образы античности и мечты о христианском рае.

До сих пор исследователи до конца не разгадали, что же хотел сказать художник, изобразив рядом с Богородицей, апостолами и святыми обычных людей.

Кисти Беллини принадлежит несколько замечательных портретов («Мальчик», «Портрет дожа Леонардо Лоредано» и др.), с которых начался расцвет портретной живописи в Венеции. Мастерство живописца в изображении природы, являющейся неотъемлемой частью всех его произведений («Св. Франциск», 1470-е), оказало большое влияние на многих венецианских пейзажистов последующих поколений. Учениками Беллини были такие извест¬ные живописцы, как Джорджоне и Тициан.

Джорджоне

Джорджоне, не только великий живописец, но и талантливый музыкант и поэт, ярко выделяется среди венецианских живописцев. Вазари писал, что «игра его на лютне и пение почитались божественными». Вероятно, отсюда и особая музыкальность и поэтичность полотен Джорджоне - в этом ему нет равных не только в итальянском, но и в мировом искусстве.

Сведений о жизни Джорджоне немного. Настоящее его имя - Джорджо Барбарелли да Кастельфранко. Как пишет Вазари,
прозвище Джорджоне («Большой Джорджо») художник получил «за величие духа».

Джорджоне родился около 1478 г. в Кастельфранко. В ранней юности он приехал в Венецию, где поступил в мастерскую Джованни Беллини. С тех пор живописец почти не покидал Венецию, где и умер в 1510 г. во время эпидемии чумы.

Одной из самых известных картин Джорджоне является знаменитая «Юдифь», хранящаяся в Эрмитаже. Легенда рассказывает, что красавица Юдифь проникла в шатер предводителя вражеского войска Олоферна и обольстила его. Когда Олоферн уснул, девушка обезглавила его.

Об этой загадочной картине русский художник А. Бенуа писал: «Странная картина, такая же «двусмысленная» и «коварная», как и картины Леонардо. Юдифь ли это? - хочется спросить про эту строгую печальную красавицу с лицом дрезденской Венеры, так спокойно попирающую отрубленную голову». Действительно, в этом полотне кроется какое-то противоречие и тайна: беспощадная библейская Юдифь предстает в произведении Джорджоне в поэтическом образе мечтательной девушки на фоне спокойной и тихой природы.

И это не единственная загадка в творчестве Джорджоне.

Какая тайна скрыта в картине «Гроза», на которой под грозовым небом, среди деревьев и обломков античных колонн мы видим сидящую молодую женщину, которая кормит ребенка, а поодаль прогуливается юноша? Также непонятно, что хотел сказать художник, изобразивший на полотне под названием «Сельский концерт» двух обнаженных женщин в компании двух музыкантов, расположившихся в тени дерева. В «Сельском концерте» - своей последней работе - Джорджоне не успел дописать пейзаж на заднем плане, и это сделал за него Тициан. Уже в другую эпоху замысел композиции использовал Э. Мане в своем знаменитом «Завтраке на траве».

Деревья, холмы, светлые дали в произведениях Джорджоне - не просто фон, на котором изображены фигуры людей. Пейзаж неразрывно связан с персонажами с идеей произведений венецианского мастера. Так, в композиции «Три философа» старец в античных одеяниях, человек средних лет в восточном тюрбане и юноша, воплощающие разные стадии познания природы, представляют единое целое с ней: нежной зеленью горной долины, скалистой громадой, бледным небом, озаренным неяркими солнечными лучами.

Эта же идея гармонии человека и природы нашла свое отражение в одном из шедевров Джорджоне - полотне «Спящая Венера». Чувственная и в то же время целомудренная нагота погруженной в сон красавицы стала олицетворением восхитительного и одновременно простого итальянского пейзажа, золотисто-желтые тона которого повторяются в теплых оттенках тела Венеры. Позднее мотив «Спящей Венеры» использовал Тициан («Венера Урбинская») , затем Д. Веласкес («Венера перед зеркалом») , Ф. Гойя («Маха») и Э. Мане («Олимпия»).

Глубокий интерес Джорджоне к ландшафту как самостоятельному элементу композиции подготовил появление в итальянской живописи нового жанра - пейзажа.

Творчество Джорджоне оказало значительное влияние не только на венецианскую, но и на всю итальянскую живопись. Замечательный художник стал одним из основоположников искусства Высокого Возрождения. В дальнейшем принципы и идеи его искусства Джорджоне нашли отражение в произведениях ученика Тициана.

В первых десятилетиях XV века в искусстве Италии происходит решительный перелом. Возникновение мощного очага Ренессанса во Флоренции повлекло за собой обновление всей итальянской художественной культуры. Творчество Донателло, Мазаччо и их сподвижников знаменует победу ренессансного реализма, существенно отличавшегося от того "реализма деталей", который был характерен для искусства позднего треченто. Произведения этих мастеров проникнуты идеалами гуманизма. Они возвеличивают человека, поднимают его над уровнем обыденности. В своей борьбе с традицией готики художники раннего Возрождения искали опору в античности и искусстве Проторенессанса. То, что только интуитивно, на ощупь искали мастера Проторенессанса, теперь основывается на точных знаниях. Итальянское искусство XV века отличается большой пестротой. Различие условий, в которых формируются местные школы, порождает разнообразие художественных течений. Новое искусство, победившее в начале XV века в передовой Флоренции, далеко не сразу получило признание и распространение в других областях страны. В то время как во Флоренции работали Брунелесски, Мазаччо, Донателло, в северной Италии еще были живы традиции византийского и готического искусства, лишь постепенно вытесняемые Ренессансом.

Кватроченто

С конца XIV в. власть во Флоренции переходит к дому банкиров Медичи. Его глава, Козимо Медичи, стал негласным правителем Флоренции. Ко двору Козимо Медичи (а затем и его внука Лоренцо, прозванного Великолепным) стекаются писатели, поэты, ученые, архитекторы и художники. Начинается век медицейской культуры. Первые признаки новой, буржуазной культуры и зарождение нового, буржуазного мировоззрения особенно ярко проявились в XV в., в период кватроченто. Но именно потому, что процесс сложения новой культуры и нового мировоззрения не был завершен в этот период (это произошло позже, в эпоху окончательного разложения и распада феодальных отношений), XV век полон творческой свободы, смелых дерзаний, преклонения перед человеческой индивидуальностью. Это поистине век гуманизма. Кроме того, это эпоха, полная веры в безграничную силу разума, эпоха интеллектуализма. Восприятие действительности проверяется опытом, экспериментом, контролируется разумом. Отсюда тот дух порядка и меры, который столь характерен для искусства Ренессанса. Геометрия, математика, анатомия, учение о пропорциях человеческого тела имеют для художников огромное значение; именно тогда начинают тщательно изучать строение человека; в XV в. итальянские художники решили и проблему прямолинейной перспективы, которая уже назрела в искусстве треченто. В формировании светской культуры кватроченто огромную роль сыграла античность. XV столетие демонстрирует прямые связи с ней культуры Возрождения. С 1439 года, со времени состоявшегося во Флоренции вселенского церковного собора, на который прибыли в сопровождении пышной свиты византийский император Иоанн Палеолог и константинопольский патриарх, и особенно после падения Византии в 1453 году, когда многие бежавшие с Востока ученые нашли прибежище во Флоренции, город этот становится одним из главных в Италии центров изучения греческого языка, а также литературы и философии Древней Греции. Во Флоренции основывается Платоновская академия, библиотека Лауренциана содержит богатейшее собрание античных рукописей. И все же ведущая роль в культурной жизни Флоренции первой половины и середины XV века, бесспорно, принадлежала искусству. Появляются первые художественные музеи, наполненные статуями, обломками античной архитектуры, мраморами, монетами, керамикой. Восстанавливается античный Рим. Перед изумленной Европой предстает красота страдающего Лаокоона, прекрасных Аполлона (Бельведерского) и Венеры (Медицейской).

Скульптура

В XV в. итальянская скульптура переживала расцвет. Она приобрела самостоятельное, независимое от архитектуры значение, в ней появились новые жанры. В практику художественной жизни начинали входить заказы богатых купеческих и ремесленных кругов на украшение общественных зданий; художественные конкурсы приобретали характер широких общественных мероприятий. Событием, которое открывает новый период в развитии итальянской ренессансной скульптуры, считается состоявшийся в 1401 г. конкурс на изготовление из бронзы вторых северных дверей флорентийского баптистерия. Среди участников конкурса были молодые мастера - Филиппо Брунеллески и Лоренцо Гиберти (около 1381-1455). Победил на конкурсе блестящий рисовальщик Гиберти. Один из самых образованных людей своего времени, первый историк итальянского искусства, Гиберти, в творчестве которого главным были равновесие и гармония всех элементов изображения, посвятил жизнь одному виду скульптуры - рельефу. Его искания достигли вершины в изготовлении восточных дверей флорентийского баптистерия (1425-1452 гг.), которые Микеланджело назвал «Вратами рая». Составляющие их десять квадратных композиций из позолоченной бронзы передают глубину пространства, в которой сливаются фигуры, природа, архитектура. Они напоминают выразительностью живописные картины. Мастерская Гиберти стала настоящей школой для целого поколения художников. В его мастерской в качестве помощника работал молодой Донателло, в будущем великий реформатор итальянской скульптуры. Донато ди Никколо ди Бетто Барди, которого называли Донателло (около 1386-1466), родился во Флоренции в семье чесальщика шерсти. Он работал во Флоренции, Сиене, Риме, Падуе. Однако огромная слава не изменила его простого образа жизни. Рассказывали, что бескорыстный Донателло вешал кошелёк с деньгами у двери своей мастерской, и его друзья и ученики брали из кошелька столько, сколько им было нужно.

С одной стороны, Донателло жаждал в искусстве жизненной правды. С другой, он придавал своим работам черты возвышенной героики. Эти качества проявились уже в ранних работах мастера - статуях святых, предназначенных для наружных ниш фасадов церкви Ор Сан-Микеле во Флоренции, и ветхозаветных пророков флорентийской кампанилы. Статуи находились в нишах, но они сразу привлекали внимание суровой выразительностью и внутренней силой образов. Особенно известен «Святой Георгий» (1416 г.) - юноша-воин со щитом в руке. У него сосредоточенный, глубокий взгляд; он прочно стоит на земле, широко расставив ноги. В статуях пророков Донателло особенно подчёркивал их характерные черты, подчас грубоватые, неприкрашенные, даже уродливые, но живые и естественные. У Донателло пророки Иеремия и Аввакум - цельные и духовно богатые натуры. Их крепкие фигуры скрыты тяжёлыми складками плащей. Жизнь избороздила глубокими морщинами поблёкшее лицо Аввакума, он совсем облысел, за что его во Флоренции и прозвали Цукконе (Тыква). В 1430 г. Донателло создал «Давида» - первую обнажённую статую в итальянской скульптуре Возрождения. Статуя предназначалась для фонтана во внутреннем дворе палаццо Медичи. Библейский пастух, победитель великана Голиафа, - один из излюбленных образов Ренессанса. Изображая его юношеское тело, Донателло, несомненно, исходил из античных образцов, но переработал их в духе своего времени. Задумчивый и спокойный Давид в пастушьей шляпе, затеняющей его лицо, попирает ногой голову Голиафа и словно не сознаёт ещё совершённого им подвига. Поездка в Рим вместе с Брунеллески чрезвычайно расширила художественные возможности Донателло, его творчество обогатилось новыми образами и приёмами, в которых сказалось влияние античности. В творчестве мастера наступил новый период. В 1433 г. он завершил мраморную кафедру флорентийского собора. Всё поле кафедры занимает ликующий хоровод пляшущих путти - нечто вроде античных амуров и одновременно средневековых ангелов в виде обнажённых мальчиков, иногда крылатых, изображённых в движении. Это излюбленный мотив в скульптуре итальянского Возрождения, распространившийся затем в искусстве XVII-XVIII вв. Почти десять лет Донателло работал в Падуе, старом университетском городе, одном из центров гуманистической культуры, родине глубоко почитаемого в Католической Церкви Святого Антония Падуанского. Для городского собора, посвящённого Святому Антонию, Донателло выполнил в 1446-1450 гг. огромный скульптурный алтарь со множеством статуй и рельефов. Центральное место под балдахином занимала статуя Мадонны с Младенцем, но обеим сторонам которой располагалось шесть статуй святых. В конце XVI в. алтарь был разобран. До наших дней сохранилась только его часть, и сейчас трудно себе представить, как он выглядел первоначально. Четыре дошедших до нас алтарных рельефа, изображающие чудесные деяния Святого Антония, позволяют оценить необычные приёмы, использованные мастером. Это тип плоского, как бы сплющенного рельефа. Многолюдные сцены представлены в едином движении в реальной жизненной обстановке. Фоном им служат огромные городские постройки и аркады. Благодаря передаче перспективы возникает впечатление глубины пространства, как в живописных произведениях. Одновременно Донателло выполнил в Падуе конную статую кондотьера Эразмо де Нарни, уроженца Падуи, находившегося на службе у Венецианской республики. Итальянцы прозвали его Гаттамелатой (Хитрой Кошкой). Это один из первых ренессансных конных монументов. Спокойное достоинство разлито во всём облике Гаттамелаты, одетого в римские доспехи, с обнажённой на римский манер головой, которая является великолепным образцом портретного искусства. Почти восьмиметровая статуя на высоком пьедестале одинаково выразительна со всех сторон. Монумент поставлен параллельно фасаду собора Сант-Антонио, что позволяет видеть его либо на фоне голубого неба, либо в эффектном сопоставлении с мощными формами куполов.

В последние проведённые во Флоренции годы Донателло переживал душевный кризис, его образы становились всё более драматичными. Он создал сложную и выразительную группу «Юдифь и Олоферн» (1456-1457гг.); статую «Мария Магдалина» (1454-1455 гг.) в виде дряхлой старухи, измождённой отшельницы в звериной шкуре - трагические по настроению рельефы для церкви Сан-Лоренцо, завершенные уже его учениками. Среди крупнейших скульпторов первой половины XV в. нельзя обойти вниманием Якопо делла Кверча (1374-1438) - старшего современника Гиберти и Донателло. Его творчество, богатое многими открытиями, стояло как бы в стороне от общего пути, по которому развивалось искусство Ренессанса. Уроженец города Сиены, Кверча работал в Лукке. Там в городском соборе находится выполненное этим мастером редкое по красоте надгробие юной Иларии дель Карето. В 1408 - 1419 гг. Кверча создал скульптуры для монументального фонтана Фонте Гайя на площади Кампо в Сиене. Затем мастер жил в Болонье, где его главным произведением стали рельефы для портала церкви Сан-Петро- нио (1425-1438 гг.). Выполненные из тёмно-серого твёрдого местного камня, они отличаются мощной монументальностью, предвосхищая образы Микеланджело. Второе поколение флорентийских скульпторов тяготело к более лирическому, умиротворённому, светскому искусству. Ведущая роль в нём принадлежала семье скульпторов делла Роббиа. Глава семьи Лукка делла Роббиа (1399 или 1400- 1482), современник Брунеллески и Донателло, прославился применением глазурной техники в круглой скульптуре и рельефе, часто сочетая их с архитектурой. Техника глазури (майолики), известная с глубокой древности народам Передней Азии, была в Средние века завезена на Пиренейский полуостров и остров Майорку, почему и получила своё название, а затем широко распространилась в Италии. Лукка делла Роббиа создавал медальоны с рельефами на густо-синем фоне для зданий и алтарей, гирлянды из цветов и плодов, майоликовые бюсты Мадонны, Христа, Иоанна Крестителя. Жизнерадостное, нарядное, доброе искусство этого мастера получило заслуженное признание современников. Большого совершенства в технике майолики достиг также его племянник Андреа делла Роббиа (1435-1525).

Живопись

Огромная роль, которую в архитектуре раннего Возрождения сыграл Брунеллески, а в скульптуре - Донателло, в живописи принадлежала Мазаччо. Брунеллески и Донателло переживали творческий расцвет, когда родился Мазаччо. По словам Вазари, «Мазаччо стремился изображать фигуры с большой живостью и величайшей непосредственностью наподобие действительности». Мазаччо умер молодым, не дожив до 27 лет, и всё же успел сделать в живописи столько нового, сколько иному мастеру не удавалось за всю жизнь. Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи, прозванный Мазаччо (1401 - 1428), родился в местечке Сан-Вальдарно близ Флоренции, куда он юношей уехал учиться живописи.Существовало предположение, что его учителем был Мазолино де Паникале, с которым он затем сотрудничал; сейчас оно отвергнуто исследователями. Мазаччо работал во Флоренции, Пизе и Риме. Классическим образцом алтарной композиции стала его «Троица» (1427-1428), созданная для церкви Санта-Мария Новелла во Флоренции. Фреска выполнена на стене, уходящей в глубину капеллы, которая построена в форме ренессансной арочной ниши. На росписи представлены распятие, фигуры Марии и Иоанна Крестителя. Их осеняет образ Бога-Отца. На переднем плане фрески запечатлены коленопреклонённые заказчики, как бы находящиеся в самом помещении церкви. Расположенное в нижней части фрески изображение саркофага, на котором лежит скелетАдама. Надпись над саркофагом содержит традиционное средневековое изречение: «Я был таким когда-то, как вы, и вы будете такими, как я». До 50-х гг. XX в. это произведение Мазаччо в глазах любителей искусства и учёных отступало на второй план перед его знаменитым циклом росписей капеллы Бранкаччи. После того как в 1952 г. фреска была перенесена на прежнее место в храме, промыта, отреставрирована, когда была обнаружена её нижняя часть с саркофагом, «Троица» привлекла к себе пристальное внимание исследователей и любителей искусства. Творение Мазаччо замечательно во всех отношениях. Величавая отрешённость образов сочетается здесь с не виданной до тех пор реальностью пространства и архитектуры, с объёмностью фигур, выразительной портретной характеристикой лиц заказчиков и с удивительным по силе сдержанного чувства образом Богоматери. В те же годы Мазаччо (в содружестве с Мазолино) создал в церкви Санта- Мария дель Кармине росписи капеллы Бранкаччи, названные так по имени богатого флорентийского заказчика. Перед живописцем стояла задача средствами линейной и воздушной перспективы построить пространство, разместить в нём мощные фигуры персонажей, правдиво изобразить их движения, позы, жесты, а затем масштабы и цвет фигур связать с природным или архитектурным фоном. Мазаччо не только успешно справился с этой задачей, но и сумел передать внутреннее напряжение и психологическую глубину образов. Сюжеты росписей в основном посвящены истории апостола Петра. Самая известная композиция «Чудо со статиром» рассказывает, как у ворот города Капернаума Христа с учениками остановил сборщик налогов, требуя у них денег на поддержание храма. Христос повелел апостолу Петру выловить в Генисаретском озере рыбу и извлечь из неё статир. Слева на втором плане зритель видит эту сцену. Справа Пётр вручает деньги сборщику. Таким образом, композиция соединяет три разновременных эпизода, в которых трижды предстаёт апостол. В новаторской по существу живописи Мазаччо этот приём - запоздалая дань средневековой традиции изобразительного рассказа, от него в то время уже отказались многие мастера и более столетия назад сам Джотто. Но это не нарушает впечатления смелой новизны, которой отличаются весь образный строй росписи, её драматургия, жизненно убедительные, чуть грубоватые герои. Иногда в выражении силы и остроты чувства Мазаччо опережает своё время. Вот фреска «Изгнание Адама и Евы из рая» в той же капелле Бранкаччи. Зритель верит тому, что Адама и Еву, нарушивших Божественный запрет, ангел с мечом в руках действительно изгоняет из рая. Главное здесь - не библейский сюжет и внешние детали, а ощущение беспредельного человеческого отчаяния, которым охвачены Адам, закрывший лицо руками, и рыдающая Ева, с запавшими глазами и тёмным провалом искажённого криком рта. В августе 1428 г. Мазаччо уехал в Рим, не закончив росписи, и вскоре внезапно умер. Капелла Бранкаччи стала местом паломничества живописцев, перенимавших приёмы Мазаччо. Однако многое в творческом; наследии Мазаччо сумели оценить лишь следующие поколения. В творчестве его современника Паоло Уччелло (1397-1475), принадлежавшего к поколению мастеров, работавших после смерти Мазаччо, тяга к нарядной сказочности приобретала подчас наивный оттенок. Эта особенность творческого стиля художника стала его своеобразной визитной карточкой. Прелестна его ранняя маленькая картина «Святой Георгий». Решительно шагает на двух ногах зелёный дракон с винтообразным хвостом и узорчатыми крыльями, словно вырезанными из жести. Он не страшен, а забавен. Сам художник, вероятно, улыбался, создавая эту картину. Но в творчестве Уччелло своенравная фантазия сочеталась со страстью изучения перспективы. Эксперименты, чертежи, зарисовки, которым он посвящал бессонные ночи, Вазари описывал как чудачества. Между тем в историю живописи Паоло Уччелло вошёл как один из тех живописцев, кто впервые стал применять в своих полотнах приём линейной перспективы. В молодости Уччелло работал в мастерской Гиберти, затем выполнял мозаики для собора Сан-Марко в Венеции, а вернувшись во Флоренцию, познакомился с росписями Мазаччо в капелле Бранкаччи, оказавшими на него огромное влияние. Увлечение перспективой отразилось в первом произведении Уччелло - написанном им в 1436 г. портрете английского кондотьера Джона Хоквуда, известного итальянцам как Джованни Акуто. Огромная монохромная (одноцветная) фреска изображает не живого человека, а его конную статую, на которую зритель смотрит снизу вверх. Смелые искания Уччелло нашли выражение в трёх его известных картинах, заказанных Козимо Медичи и посвящённых битве двух флорентийских полководцев с войсками Сиены при Сан-Романо. В удивительных картинах Уччелло на фоне игрушечного пейзажа сошлись в ожесточённой схватке всадники и воины перемешались копья, щиты, древки знамён. И, тем не менее, сражение выглядит условной, застывшей на редкость красивой, поблёскивающей золотом декорацией с фигурами коней красного, розового и даже голубого цвета.

В XV в. итальянское Возрождение вступает в период кватроченто, когда основные принципы «нового стиля» становятся господствующими. Раннее Возрождение характеризуется возникновением и подъемом различных территориальных художественных школ, их активным взаимодействием и борьбой. В культуре того периода формируется культ красоты, прежде всего красоты человека. Живопись становится ведущим видом искусства, и художники стремятся изобразить прекрасных, совершенных людей. Поражают общий высокий уровень художественных произведений, обилие талантов, разнообразие творческих индивидуальностей.

Необычайный расцвет искусства кватроченто имел много причин. В первую очередь способствовало то обстоятельство, что аристократические слои итальянского общества, включая Папу, высоко ценили искусство, любили красоту. Они оспаривали другу друга возможность пригласить лучших художников работать у себя. Так, во Флоренции во время правления Медичи борьба за власть утихла и перешла в борьбу за обладание шедеврами искусства, в соперничество в роскоши. Но это было внешней причиной. Главное в том, что искусство играло в жизни общества важнейшую роль: оно выполняло функцию универсального познания, опередив в этом науку и философию. Новое отношение человека к миру, стремление освоить его как реальную арену своих действий обусловливало необходимость его изучения. Первым шагом в этом познании было ясное, трезвое видение мира, постигающее природу вещей. Изображение мира таким, каким его видел человек, было исходным принципом ренессансных художников — принципом, ставшим настоящим переворотом в культуре, выразившимся в полном отказе от прежних принципов. Знание перспективы, теории пропорций, строения человеческого тела и механизма его движений, умение передать объем на плоскости, а в движениях тела выразить движения души — все это становится и необходимым условием творчества, и истинной потребностью самих художников. Крупнейшими мастерами культуры раннего Возрождения являются архитектор Филиппо Брунеллески, скульптор Донатоде Николо ди Бетти Барди, прозванный Донателло, художники Томазо ди Джованни ди Симоне Кассаи, прозванный Мазаччо, и Алессандро Филипепи, прозванный Сандро Боттичелли.

Мазаччо

Мазаччо стал родоначальником нового направления в итальянской живописи XV в.; он возродил традиции Джотто, отказавшись от многословности, характерной для живописи конца XIV — начала XV в. Индивидуальный художественный стиль Мазаччо наиболее ярко выражен в его фреске «Троица». Композиция фрески включает триумфальную арку с уходящим в глубину сводом. На ней изображены Бог-отец, Святой дух в виде голубя и распятый Христос. Возле распятия стоят Мария и Иоанн, а перед аркой по обеим сторонам помешены коленопреклоненные заказчики. Христианский догмат о Святой Троице утверждал единство Отца, Сына и Святого духа как центра небесного мира. Мазаччо трактует эти образы как реальные исторические лица. Композиция выстроена на основе принципа линейной перспективы, которая соотносит и соединяет фигуры в единое целое. На фреске Мазаччо все фигуры, представляющие Бога и человека, объединяются в образ мира, созданный человеческим разумом. Главным произведением Мазаччо стали росписи капеллы Бранкаччи в церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции, изображающие эпизоды из жизни св. Петра и два библейских сюжета «Грехопадение» и «Изгнание из рая». На фреске «Изгнание из рая» Адам и Ева идут, охваченные безысходным отчаянием, покорные судьбе, их преследует парящий ангел с мечом в руке. Эта фреска во многом стала новаторской: анатомически правильно изображены обнаженные тела; их объем моделирован с помощью светотени; фигуры представлены в естественном, свободном движении; выразительные, живые позы, жесты и мимика раскрывают душевное состояние персонажей. Адам и Ева, несмотря на грехопадение и страдания, не вызывают чувства осуждения у зрителей.

Дух раннего Возрождения проявился также в интересе к античности, к ее идеям и образам, к сюжетам языческой мифологии, обращение к которой в Средние века было запрещено.

Сандро Боттичелли

Сандро Боттичелли воплотил в своем творчестве языческие образы. Обычно этого любимца правителя Флоренции Лоренцо Медичи называют последним художником флорентийской культуры XV в. Отличительной чертой его является обращение к внутреннему миру персонажей, их настроениям и переживаниям. Наиболее известны его картины «Весна» и «Рождение Венеры». До сих пор загадкой остается сюжет картины «Весна», где на цветистой лужайке, огороженной деревьями с оранжевыми плодами на ветвях, расположились различные мифологические персонажи: Меркурий, три грации, Венера, над которой парит Амур, богиня весны и цветов Флора, лесная нимфа и бог легкого ветра Зефир. Персонажи не связаны между собой развитием действия, они погружены в себя, молчаливы, задумчивы, внутренне одиноки. Они даже не замечают друг друга. Эти красивые и утонченные образы рождают мечтательную грусть, тихую радость, неясную, смутную тоску и светлую надежду.

Близка по настроению картина «Рождение Венеры», где обнаженная языческая богиня любви медленно подплывает к берегу, стоя в раковине, гонимой легким дуновением зефиров. Венеру встречает нимфа, готовая укрыть ее легким покрывалом. Удивительно прекрасно лицо богини, полное затаенной печали. Как считают искусствоведы, «Рождение Венеры» — это не языческое воспевание женской красоты. В ней больше красоты духовной, а ее нагота означает естественность и чистоту.

Эпохальному периоду в истории мировой культуры, который предшествовал Новому времени и сменил дали название Ренессанс, или Возрождение. История эпохи берет свое начало на заре в Италии. Несколько столетий можно охарактеризовать как время становления новой, людской и земной картины мира, имеющей по своей сути светский характер. Прогрессивные идеи нашли свое воплощение в гуманизме.

Годы эпохи Возрождения и понятие

Поставить конкретные временные рамки для данного феномена в истории мировой культуры достаточно сложно. Объясняется это тем, что в эпоху Возрождения все страны Европы вступили в разные сроки. Одни раньше, другие позже, в связи с отставанием в социально-экономическом развитии. Примерными датами можно назвать начало 14 и конец 16 века. Годы эпохи Возрождения характеризуются проявлением светского характера культуры, ее гуманизацией, расцветом интереса к античности. С последним, кстати говоря, и связано название этого периода. Происходит возрождение ее внедрение в европейский мир.

Общая характеристика эпохи Возрождения

Данный виток в развитии культуры человечества произошел в результате изменения европейского общества и отношений в нем. Важную роль играет падение Византии, когда ее граждане массово бежали в Европу, принося с собой библиотеки, различные античные источники, неизвестные ранее. Увеличение количества городов привело к усилению влияния простых сословий ремесленников, купцов, банкиров. Активно стали появляться различные центры искусства и науки, деятельность которых церковь уже не контролировала.

Первые годы эпохи Возрождения принято отсчитывать с ее наступлением в Италии, именно в этой стране началось данное движение. Начальные его признаки стали заметны в 13-14 веках, но твердые позиции оно заняло в 15 веке (20-е года), достигнув максимального расцвета к его окончанию. В эпохе Ренессанса (или Возрождения) выделяют четыре периода. Остановимся на них более подробно.

Проторенессанс

Данный период датируется приблизительно второй половиной 13-14 века. Стоит заметить, что все даты касаются Италии. По сути, данный период представляет собой подготовительный этап Возрождения. Его условно принято делить на два этапа: до и после смерти (1137 год) Джотто ди Бондоне (скульптура на фото), ключевой фигуры истории западного искусства, архитектора и художника.

Последние годы эпохи Возрождения данного периода связаны с эпидемией чумы, которая обрушилась на Италию и всю Европу в целом. Проторенессанс тесно связан со средневековьем, готическими, романскими, византийскими традициями. Центральной фигурой принято считать Джотто, который наметил основные тенденции живописи, указал путь, по которому в дальнейшем пошло ее развитие.

Период раннего Возрождения

По времени он занял восемьдесят лет. Ранний годы которого характеризуются весьма двояко, пришелся на 1420-1500 гг. Искусство еще не отреклось окончательно от средневековых традиций, но активно добавляет элементы, позаимствованные у классической древности. Словно по нарастающей, год за годом под влиянием меняющихся условий социальной среды, происходит полный отказ художниками от старого и переход к античному искусству в качестве основной концепции.

Период высокого Возрождения

Это вершина, пик Ренессанса. На данном этапе эпоха Возрождения (года 1500-1527) достигла своего апогея, и центр влияния всего итальянского искусства переместился в Рим из Флоренции. Произошло это в связи со вступлением на папский престол Юлия II, который имел весьма прогрессивные, смелые взгляды, был человеком предприимчивым и честолюбивым. Он привлек в вечный город самых лучших художников и скульпторов со всей Италии. Именно в это время настоящие титаны эпохи Возрождения создают свои шедевры, которыми весь мир восхищается и поныне.

Позднее Возрождение

Охватывает временной отрезок с 1530 по 1590-1620 годы. Развитие культуры и искусства в данный период настолько неоднородно и разнообразно, что даже историки не сводят его к одному знаменателю. По мнению британских ученых эпоха Возрождения окончательно угасла в тот момент, когда произошло падение Рима, а именно в 1527 году. погрузилась в Контрреформацию, которая поставила «крест» на всяком свободомыслии, в том числе и воскрешении античных традиций.

Кризис идей и противоречия в мировоззрении в итоге во Флоренции вылились в маньеризм. Стиль, который характеризуют дисгармонией и надуманностью, потерей равновесия между духовной и телесной составляющей, свойственного эпохе ренессанса. К примеру, у Венеции была своя собственная дорога развития, там до конца 1570-х годов работали такие мастера, как Тициан и Палладио. Их творчество осталось в стороне от кризисных явлений, характерных для искусства Рима и Флоренции. На фото полотно Тициана «Изабелла Португальская».

Великие мастера эпохи Ренессанса

Три великих итальянца - это титаны эпохи Возрождения, ее достойный венец:

Все их произведения - это лучшие, отборные жемчужины мирового искусства, которые собрала эпоха Возрождения. Года идут, сменяются столетия, но творения великих мастеров - вне времени.